给她一堆碎布，就能缝出莫奈般梦幻的裙子

2022年，美国最大的艺术博物馆大都会博物馆永久收藏了一位中国姑娘设计的大裙子。

粉红、粉绿、粉蓝等颜色的纱质面料被层叠着缝制在一起，它们像花朵一样绽放出印象派油画般的色感，轻盈的“花瓣”，褶皱形成相对厚实的“花蕊”，让它看起来有种梦幻般的美。

这位设计师就是

胡颖琪（Caroline Hu），而此时距离她创立自己的同名品牌仅仅4年。

胡颖琪（Caroline Hu）

看她的作品，时常会有些恍惚，这到底是油画，还是服装设计，抑或两者皆是。

还是先看“画”。

它的奇妙之处在于，既有伦勃朗画作中堪称高贵的光线感，又蕴含了印象派的色感，但在工艺表达上，更接近近现代的纤维艺术。

这样一种极有辨识度的设计手法在她研究生毕业作品时成型。

2017年，她在纽约帕森斯为硕士毕业设计调研时，发现了一种印度传统打褶机器，叫smocking machine，包括Alexander McQueen等设计师用过这种机器，它最大只能做40cm宽幅的面料。

毕业第二年，她成立了个人品牌，然后，用作品一夜成名。

她的出现，简直就像时尚界睽违已久的宝藏，于是在2019年，她凭借自己一个人做的系列，入围LVMH大奖，获得BOF中国大奖，上榜福布斯中国——“ 30位30岁以下的年轻人”。用这些奖金，她组建了自己的团队。

获得BOF中国大奖

2021年，通过VOGUE中国的组织，Caroline Hu与Valentino合作了两款高级定制时装。那是非常有意思的一个合作，由Valentino的创意总监Pierpaolo Piccioli亲自挑选一些面料给她自由创作，其中包括荧光粉、红色、桃红等颜色，她将这些面料与自己往季的面料结合在一起，做了两款高定，色彩比以往更加浓郁。

Caroline Hu与Valentino合作的高定

一位设计师只要将一种设计手法做出辨识度，就足够在很长时间里吸引行业关注，但实际上，我们今天看到的Caroline Hu早就不满足于此。

在2021春夏系列中，她将好几种面料进行并不服帖的拼接。

这季的细密褶皱上衣也在原有的打褶手法上玩出新意。

到了2023春夏系列，她在褶皱上的表达又有了新尝试，一种强烈的序列感。

她对这件衣服的描述是：“一片片独立的、未完成的真丝棉织物有规律地排列，它们有纪律，它们被严格地卡在原地，不允许有情绪;真丝棉织物被挤压，然后，每一种织物的情感使它们开始变形，扭曲。由于难以形容的情绪，部分白色连衣裙被留白。”

当我读到这些文字的时候，突然意识到一个问题，过于强烈的视觉表达让人忽视了这些衣服背后的思想，而实际上，设计师本人设计的出发点从来不是视觉，而更多在于表达某种思考。

忽然就明白了，为什么她会说自己标志性的设计手法是一种“外壳”。

到了2023秋冬，她在材料上的应用更加多元化，比如这样一件粉+白的大裙子，看似浪漫又别致。

它其实是带有调节口的扎带，被做成花朵和麦穗，一副优雅得高不可攀的样子。

在最新的2024春夏系列，她再一次突破了艺术和时装的边界。

这些庞大的衣服里面用气球进行支撑，形成体积感。

而这个系列，讲的是人和人的距离，气球不像盔甲或者棉花那样坚硬或者厚实，很轻很脆弱。“我允许我爱的人来窥视我，但不要靠的太近，朦胧隔着，留给我独处空间就好”，她说。

这下，我更觉得她是宝藏了。

我跟

胡颖琪聊了很久，这里摘抄一些她说的话，可以更直观地体现她在设计上的考量。

我一直很追求像画画一样去做一套衣服，但是经常没有办法把所有的东西像我想象中通过一件衣服去表达全部，对此我有挣扎，这几年在调整。

学画画都要从基本功学起，我欣赏的一些画家基本工都特别扎实，所以在服装领域，我学制版、学各种技能，等到你有了很扎实的服装功底之后，才会去发挥一些东西。

2019年拿了两个奖，铺天盖地的各种采访、曝光，让我在兴奋过后有些手足无措，感觉我的世界好像有点被打扰。许多媒体来采访，每个人问的问题是一样的，每天要去说一样的东西，自己却没有时间去产出，没有团队去做产品，或者你的东西没有办法售卖，因为只能靠我自己生产。所以，2020年我没有发布东西，完全拒绝采访。我很努力地组建团队，用奖金把整个团队给搞起来。

与 Fabric的联名

我很坚持自己想要的东西，但也要谦虚，就是你硬塞很多所谓的艺术化或者你的一些表达给客户看，他们不一定觉得上身好。我们在学习做商品的过程中经常会吃力不讨好，团队说我们像开在巷子里面的饭馆，卖十块钱一碗的盖饭，我给你塞了非常足的料，可是食客不一定明白，他们看的比较简单，第一直接自己喜欢不喜欢，但不代表我们要输出垃圾，也可以做一个平衡。