我们的画画老师总是对我们说，成年人学画，欣赏在先，提高技巧在后。学画要让艺术走进我们的生活；让我们提高对美的感觉力，欣赏能力；让我们的眼睛更加敏锐，让我们更加珍惜当下的生活。老师带我们去参观博物馆，听老师讲解大师的作品，总是同学们非常期待的事情。
八月，陈保平老师告诉我们，挪威籍的印象派大师爱德华·蒙克 （Edvard Munch) 在旧金山现代艺术博物馆 (SF MOMA) 有一个画展，非常值得去看。大家一致响应，一个星期六，陈老师带我们成年画画班的几个同学一起去旧金山看蒙克的画展。
蒙克并不是我们熟悉的艺术家，他的作品，除了《呐喊》外，我几乎没有什么印象，也不曾关注过他的作品。
蒙克代表作《呐喊》（1893）

大家到博物馆前集合，开始欣赏画展前，陈老师先给我们介绍了这位艺术家作品的基本特征。
蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型，抒发自己的感受和情绪；他的画风是德国和中欧的表现主义形成的前奏。
比起色彩鲜艳的马蒂斯（Matisse)，蒙克是个典型的“忧郁症”画家。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法，让人站在他的原作面前，忘记了去看他的绘画技巧，却被他要表达的强烈情绪所感动，让人身临其境。
他基本上用红、蓝、绿的纯色，却极为低调，画面上留下长长的、粗旷的笔触。灰暗的蓝色中有着无比丰富多样的色彩变化，不在原画前是难以感受到的，给人一种压抑，强烈的情感冲出力。
蒙克作品《人生之舞》(1925)
看画展前，先了解了一下艺术家的生平和他所处的时代，这对了解他的作品很有帮助。
蒙克幼年丧母， 其父患有精神疾病，他在蒙克青年期去世， 另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲也先后去世。蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病，蒙克自己也是体弱多病。在五个兄弟姐妹中，只有一个兄弟结过婚，但婚后不过数月也过世了。眼见双亲和兄弟姐妹接二连三地死去，严重打击了蒙克的精神与情绪，接踵而至的悲伤对他是深度的精神折磨。因此，死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处，这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。蒙克在晚年说道：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使，且持续地伴随我一生。”
在博物馆的每个展厅陈列的作品都是相近的题材，也许也是因为蒙克的画很容易分类，他的画展作品可分几类：自画像，生死，爱与忌妒，呐喊系列等。
蒙克的作品《嫉妒》（1907）
蒙克所画的人物，如同舞台剧的各个角色，很像是每种特定的姿势代表一种特定情绪，类似于某种身体语言。由于蒙克所画的人物都承担着表现一种特定心理状态的使命，所以他创造的男人和女人不是现实的。蒙克宣称，印象派并不适合于他的艺术。他对描写现实的任意一个断面也不感兴趣，他要描写的是那种充满了情绪内涵的，且具有巨大的传神力的状态。为了达到这个目的，蒙克殚精竭虑地构思，他的作品创造了紧张气氛。
画展的第一、第二个展厅呈现的是爱恨嫉妒，死亡的主题，人的脸看得都像是鬼怪一样，脸部没有任何细节，画面象是大块涂鸦，背景常是红、黑、蓝、绿色。
一走进中间的一个展厅，看见墙上左边掛着这幅画。一下子被它的情景和气氛所打动。
蒙克作品《桑·克劳德之夜》(1893)
黑色的房间里，一人孤独地坐在窗口，看着窗外的景色。屋里的人没有开灯。窗外是明亮的夜景，月光射入窗户，照在房间的地上。
如果你是那个独坐的人，那一刻，你会感到与世隔绝的孤独和寂寞吗？还是会由衷地赞叹窗外的景色，并感到内心深处的感动？
不同的人， 不同的心情， 会看到不同的东西，而引起强烈的共鸣。艺术的魅力也就在这吧？
老师让我们注意蒙克有两张同样主题、同样构图的油画，题目为《 病中的女孩》（The Sick Child），绘画时间相隔了11年，绘画的风格却非常不同（请原谅手机随手拍无法拍出原画的效果）。
蒙克作品《病中的女孩》(1896)
蒙克作品《病中的女孩》(1907)
第一张更近古典风格，或者说是印象派初期的风格；后一张是印象派后期的作品。色彩鲜明，笔触更加粗旷，更表达画家的个性和情感。
在这些重复的画面里，我们可以看到画家的精神世界，情感世界。《 病中的女孩》生活场景，很可能是画家难以忘怀的，他最心爱的姐姐在病床上的情景。很多不断重复的画面带有画家强烈的自传成份和叙事痕迹。
蒙克的一生重复很多同样的绘画主题，但风格各异，他曾多次改变艺术风格。从自然派，到半印象派， 到树立具有个人特色的综合派原始画风（比如《忧郁》），在此色彩成为一种象征，亦是种具有承载功能的元素（比方说《呐喊》）。蒙克倾向选择景深较浅的作画空间，他经常把画中的人物安置在前台。
蒙克一直想表现人物的内心的心理状态，出现在他画中的人物呈现了最能表现这种状态的姿势（见《灰烬》），这种安排让蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎刹那间凝固的感觉，那也许正是人物内心活动达到顶峰的一瞬间。
蒙克作品《灰烬》（1925）
老师在一幅少女肖像画前停下脚步，他告诉我们蒙克作品的另一个特征，他不追求完整，很多作品看上去像是尚未完成似的。老师让我们观察这幅少女像，像似一张草图，只是简单地构画了少女身体的线条，头发的线条。她的手，胳膊都没有完成，背景几乎是空白，只是底色。但是这已经表现出了一种气氛，表现了作者心目中的少女那一瞬间的形象，有一种旋律之美，迷人之美。如果再加上任何东西也可能都会破坏了这种感觉，所以对于蒙克来说这已经足够了，这幅作品已经完成了，不需要再增添什么。
蒙克作品《玛多娜》（1895)
瑞典作者卡尔·奥维·克纳斯加德（Karl Ove Knausgaard）在蒙克的画册的“前言”中写道：
画是无声无语的，它们沉默不言。它们由颜色和形状组成，它们以另一种形式触动我们。我们感觉到的东西，超过语言可以表达的范围，艺术可以到达语言无法到达的地方，它们把我们带到另一个地方。
蒙克在他生命的尽头说过：“艺术是我的自白。”  相信任何人看过蒙克的画都会理解这个说法。艺术是他的自白， 更是他的救赎。
从小体弱多病的蒙克活到八十岁，他在生命的最后30年过着与世隔绝的生活。他没有家庭，没有孩子，只是年轻时候有过几次不顺的恋爱。他没有妻子，没有情人，几乎没有朋友，他唯一做的事就是画画！绘画的材料是他的伴儿，是他的手足，是他的工具，也是他倾诉的对象。画画是他生活的全部，他沉浸在其中，艺术成了他生活的唯一救赎。悲伤的时候可以画画；发疯的时候可以画画；忧郁的时候可以画画；一句话，活着还可以继续画画。
蒙克一生创作了一千七百多件油画作品。
蒙克作品《孤独的人们》
站在蒙克的作品前，我又一次强烈地意识到，艺术不仅仅可以捕捉美感，给人带来赏心悦目的艺术享受，它还可以表达各种情感，表达各种生命体验。艺术家们，包括我们这些初学画的人，寻找和追求的都是一种表达自己情感的语言。
在蒙克作品前，我们被他的作品所感动。我们感受到他的苦闷，悲伤，压抑和呼唤。在他的作品前， 我们与他相遇。
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