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“老熟人”赫斯维克
全新上海之行
鹅黄衬衫，配上深棕马甲，在外滩的复星艺术中心，50岁的托马斯·赫斯维克一身轻装亮相。他瘦、语速快，活力十足。
所到之处，大堆人都会围着他拍照、签名，他是全世界最受瞩目的明星建筑师之一。
从2010年世博园的“种子圣殿”，到近两年红遍全网的天安千树、纽约“大松果”。柔软的光纤也能成为外墙，绿色植物居然从水泥柱顶上长出。
因为疯狂、大胆的想象力，他建造的每一个作品都在社交媒体上爆红，吸引着全世界的人们去打卡。
但它们不仅仅是网红，日本媒体评价赫斯维克，说他阐释了“唤起情感的建筑”的真正含义。
上海是他此次在亚洲出行的最后一站。这座城市，对他来说有些不一样的意义。他曾经在这里凭借梦幻蒲公英般的英国馆，一战成名，在国际上赢得声望。
如今，在黄浦江畔，这座金色铜管装饰，会跳舞的艺术中心，也是他的代表作。
多年后他来到这里，还会问：这座建筑会不会在外滩太突兀、太特别，会不会有距离感，让人不敢轻易走近？”
答案当然是否定的，它已经成为上海南外滩的标志性建筑。而赫斯维克自己的从业30年的心历旅程，最近也在这里徐徐展开。
01
久违的中国行
赫斯维克眼里的新与旧
赫斯维克已经有段时间没来中国了。
“我觉得，上个世纪是一场悲剧，一场属于城市的悲剧。”
这是他在上海的开场白，声音平淡如水，却好似平地惊雷。
在设计过众多知名作品的他看来，过去很长的一段时间里，人类的建起的高楼，都缺乏了灵魂。
可什么才是灵魂？或者换句话讲，人们逛城市，是在“逛”什么？
喜欢city walk的上海人，对这个问题又有什么答案？
在赫斯维克看来，人们真正逛的，是那些“旧”的东西，这才是一个城市最吸引人的地方。
比如布拉格的老城，上海的梧桐区，京都的鸭川河畔。
图/京都鸭川
在他眼里，现在的城市建筑，很漂亮，但是它们是同质的，没有核心。
钢架、玻璃、横平竖直，大楼充满了“现代性”，甚至已经满到要溢出。
赫斯维克不想成为柯布西耶，他想做安东尼·高迪。
其实，赫斯维克并非不喜欢新东西，相反，他的很多设计都充满了现代的美感。
比如 “大松果”——Vessel，在纽约的钢铁森林之中独树一帜，仿佛自然落下的一颗果实。
它的内部结构既简单又复杂，154个楼梯，80个平台，这就是全部的构成了。人们可以沿着台阶爬上这个50米高建筑的顶端，一览哈德逊河畔的风光。
再比如孟买蓝宝石酿酒厂，玻璃房间模仿了植物本身的曲线，最大程度地还原了谷物发酵的原生状态。
赫斯维克认为，现代的设计语言本身没有问题。出问题的是无限的重复。
过去的几十年里,人们一直在重复建造，光建造还不够，还要肆意地消去拥有独特美丽的“旧”痕迹。
他举了个例子，一幢商用楼的平均寿命，在英国是40年，在中国，大约是34年。
与此同时，美国每年光是拆掉重建的建筑面积就高达10亿平方英尺，约合9200多万平方米。
面对这样的情况，赫斯维克说，他想找到一个方法，去适应、调节，并且维护原有的城市社会，而不是简简单单的拆掉、重建。
在南非的开普敦，他做了一场实验。那里有一个巨大的、百年历史的粮仓，曾经被用来储存来自南非各地的玉米。后来被废弃，面临着拆除的命运。
赫斯维克工作室把它改造了一番。设计师们剖开原本存放于谷仓之内的一个玉米粒，以它的纵切面为灵感，重新设计了这栋建筑。
现在，这里是非洲一个主要的艺术中心——蔡茨当代艺术博物馆。
东京的例子也是如此。在给港区麻布丘的地块进行重新设计时，正值后疫情时期，赫斯维克说，我希望能再找回城市里人与人的联系。
于是他把重点放在了“公共”之上，重建一个新的、可以让市民自由交流的空间，是他最大的想法。
赫斯维克觉得，如果旧的建筑已经不能再顺应时代，那就情愿多花点力气，赋予它们更新的内核，和更有趣的灵魂。
即便如此，也要远远好过粗暴的拆除，和生硬的重塑。
02
作品无数，风格多元
每个建筑都有关键词
我们这次在复星艺术中心遇见赫斯维克，这也是他的工作室和福斯特事务所在2016年共同设计的。
这座建筑伫立在黄浦江畔，通体金色的外观受到中国传统流苏的启发，三层长短不一的幕帘不定时随着音乐旋转，就好像是会流动一般。
过去，不少上海人都叫它“外滩边上那个会跳舞的房子”。
将近10年以后，设计者赫斯维克再次来到这里。对他来说，只有在中国，才能实现这样的设计。
在赫斯维克的助理Adam看来，托马斯是一个纯粹的好奇的人，他喜欢的，是建筑本身。
但是在欧洲，想要跨过边界实在太难了。
在那里，无论是主观还是客观，总是阻碍重重。相比之下，中国是一个“没有局限”的地方。
也正是因此，虽说来的次数不多，赫斯维克却与中国结缘已久。
2010年，赫斯维克设计了上海世博园的英国馆“种子圣殿”，60000根固定在铝管中的光纤突出在外，每根光纤长16英尺，末端都带着不一样的种子，它们从英国和中国的种子库中被选出。
这个别致的构想，打败了包括扎哈在内的众多顶级设计师的方案，成为世博会现场最受瞩目的作品之一。
如蒲公英一般在风中摇曳的种子圣殿，让赫斯维克一举成名。从那时候起，他的工作室开始被中国观众所熟悉。
另外一个例子，是这几年上过很多次热门的天安千树，同样出自赫斯维克的手笔。
不同于东京麻布丘的理念，这回在上海，他选择的关键词是“Bigness“，大。
天安千树的“大”，首先是物理意义上的。
赫斯维克说，中国幅员辽阔，万物都很“大”。天安千树地块的面积也不小，可以放下一个躺平以后的帝国大厦，而且还绰绰有余。
其次，苏州河两岸遍布居民区，赫斯维克想要在居住与商业之间创造一个最大化的地方，让人们能够自在地身处其中。
最后，在上海这样一个“无限大”的现代城市里，他想要再现一块空间，重拾人和大自然的共生感。
于是他设计了无数根柱子，每根柱顶都由一棵树点缀，在楼宇的层叠之间，人们可以或穿梭，或休憩，同时与自然形影不离。
天安千树的灵感非常夺人眼球，于是赫斯维克在新加坡又复现了一遍。
在给当地设计大楼时，他发现东南亚的审美与中国有相通之处——那里的居民，也很喜欢庭院。
于是，赫斯维克把花园搬进了新设计的大楼，无论在哪一层，都可以身处绿植之间，感受与树木共存的气息。
这就是他想要寻找的主题，“Living”——生活感。
最近几年，赫斯维克在中国依旧作品不断，除了已完成的几个建筑以外，还有上海西岸漩心、陕西西安新综合体等等。
他的灵感，从未停下脚步。
03
红色巴士、蓝色地毯
他寻找着设计的答案
其实，托马斯·赫斯维克，是一个“非典型”的建筑师。
出生在伦敦的赫斯维克，有一个珠宝设计师母亲，和一个音乐家父亲。他的祖母开着自己的纺织工作室，叔叔则是当地的一名记者……
如此纷繁复杂的家庭职业，很难说谁真正影响了他，让他走上设计的道路。但是无论如何，或许在“创造力”上，他继承了家人不少的灵感。
中学毕业后，赫斯维克在曼彻斯特理工学院和皇家艺术学院学习设计，随后开始了自己的建筑生涯。
1994年，他成立了自己的工作室，自此开始参与各种各样设计项目。他的作品很多元，从公共景观到建筑设计均有涉猎。
比如伦敦公交的更新计划，就由赫斯维克操刀。
全新的双层巴士依然采用了大红的传统色调，但是内部空间得到了极大的优化，同时外部的棱角也被抹去，变成了圆润的形状，车体总重大大减轻。
2002年，他在英国纽卡斯尔设计了一个街边作品：蓝色地毯。
它非常简单，仅仅用一些蓝色的地砖作为点缀，然后在区域的边缘向上弯曲，模拟出纺织物的效果。
赫斯维克说，他想用这个作品，赋予纽卡这座城市一个当代的标志。
这次来中国，他还带来了近十年以来最大的中国回顾展。展览占据了足足两层楼，里面放出了工作室这些年的成果。
从设计手稿，到作品模型，众多展品，让人眼花缭乱。
赫斯维克说：“一座建筑应该能够在你经过它的时候吸引你的注意力”，这是最重要的。
他确实做到了这一点。
但其实，对于赫斯维克的作品和设计，并不是只有赞誉。比如争议不断的纽约大松果，有人认为只注重了美感，却忽略了它的社会影响。
在一些评论家眼里，他的工作室做法也过于教条——他们设计了一款计算机软件，以此判定一个项目的“朴素程度”，如果得分太低，方案就必须修改。
还有人觉得，赫斯维克把“简单和重复”看成了十足的恶棍，变成了只会追求复杂的建筑者。
但无论如何，赫斯维克一直在追寻的，是人与建筑的共鸣。大楼的形状或是内涵，最终的目的都只不过是为了与人共生。
这才是他反复提及的，一个城市应该被创造的灵魂。
其实有太多的问题，赫斯维克也在寻找着答案。
在这次展览的最后，他摆放了一个公共区域，向观看者抛出了一个问题：你希望城市拥有怎样的建筑？
白色的墙纸上，用黑色笔迹写满了他的疑问。而在展馆的中央，有一块巨大的画布，人们可以用边上的彩色画笔，书写自己的回答。
他希望从不同人那里听到声音。
在他眼里，没有建筑是过时的，应该被抛弃的，粗暴的拆除只不过是不负责任的妥协，根本算不上建筑的艺术。
相反，如何让建筑变得更有趣、更永恒，才是每个设计师都应该思考的问题。
他对大家说：让我们停止建造那些40年的大楼，让我们建造一栋建筑，它可以活上1000年。
今年53岁的赫斯维克，他的旅程才刚刚起航。
文、编辑／夏尔
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